Haga calor o llueva; todos somos felices con Garbage

Los años 90 vivieron un repunte para el papel de las mujeres en el rock. Varios grupos o solistas de distintos estilos, como The Cranberries, Hole, Skunk Anansie, Alanis Morissette, Portishead, Dover, The Cardigans, L7, Guano Apes y No Doubt, entre otros, reinaron en el panorama musical con voces femeninas liderando sus formaciones en ese decenio.

 Garbage fue uno de ellos, con la polifacética Shirley Ann Manson al frente. Una escocesa pelirroja, al más puro estilo de la princesa Mérida en 'Brave', cuyo carisma contribuyó al éxito del grupo, convirtiéndose sus dos primeros álbumes 'Garbage' (1995) y 'Version 2.0' (1998) en auténticos referentes del rock alternativo, lo que les llevó a escribir, posiblemente, uno de los mejores temas principales para una película del agente 007 James Bond: The World Is Not Enough (El Mundo Nunca Es Suficiente).

Casi tres décadas después de su creación y con un reciente disco publicado, 'Let All That We Imagine Be The Light' (2025), el octavo de estudio del grupo estadounidense al que se le añade ese toque escocés de Shirley, como un buen trago de whisky, Garbage vuelve a Madrid, en esta ocasión, no al Mad Cool —su 'jardín' festivalero habitual—, y sí al Botánico, el rincón verde más doctorado de la capital.

Garbage en el Festival Noches del Botánico de Madrid, 5 de julio de 2026

El gran aval de la formación es la actitud rebelde de Shirley Manson, cuyo apellido es real y no tiene ningún vínculo familiar con el cantante apodado como Marilyn Manson, una casualidad que los llevó a conectar más allá de su imagen oscura. De hecho, ambos llegaron a trabajar juntos en una canción que nunca vio la luz. 

Había empezado a anochecer cuando Garbage empezaba su actuación, bonita metáfora para este grupo de rock alternativo con múltiples variantes: como la música electrónica, el trip-hop, toques industriales, densos y tenebrosos. Un cóctel musical que bien venía para refrescar otra noche tropical. Y lo hacía tras la hermosa melodía que Angelo Badalamenti escribió para el personaje Laura Palmer de la icónica serie Twin Peaks. Otro guiño a los noventa y a la figura de la mujer misteriosa de la mano de David Lynch.

Mejor embrujo musical no podría haber escogido el cuarteto, convertido en este tour en quinteto con la presencia de Nicole Fiorentino, para este repaso discográfico personal, desde los años 90 hasta la actualidad, de una banda cuya fama sigue en el anterior siglo y no ha sabido, quizás, replicarlo en las últimas etapas.

No en vano, fueron más celebradas las apariciones de himnos como Stupid Girl (1995) o I Think I'm Paranoid (1998) que el fatalista There's No Future In Optimism o la pegadiza e industrial Hold (2025) con las que empezaron el set. Entre medias se cruzaban cortes que no eran tan antiguos ni tan modernos, pero que han calado hondo, como ese melancólico It’s All Over But The Crying (2005) o ese guitarrero Empty (2016).

Shirley no paraba de interactuar, bromear y hablar sobre la Copa del Mundo de fútbol, acerca de política, destacando la belleza de Pedro Sánchez, también había hueco en su discurso para el feminismo y el edadismo, centrado en la figura de Madonna, a través del tema Chinese Fire Horse, que le sirvió de excusa para mostrar su amor por Escocia y España, un país que siempre le recibe con calor, real y metafórico. 

Shirley Manson abanicándose en su actuación en Madrid

La noche se prestaba también para un homenaje directo a The Cure en forma de Lovesong y uno indirecto a Joy Division con No Horses, cuya densa atmósfera post-punk puede recordar a un cruce entre Depeche Mode y Nine Iinch Nails.

Pocos artistas tienen esa vitalidad que posee Manson entre tanta atmósfera sombría y recuerdos tristes. Pocos artistas tienen el bagaje de Butch Vig, uno de los cerebros del grupos, además de productor, con un bagaje tan sobresaliente a su espalda como el 'Nevermind' de Nirvana, culmen del grunge, o el 'Siamese Dream' de Smashing Pumpkins, otro referente de la época junto a la ópera prima de Garbage.

Un dueto así, junto a los habilidosos Duke Erikson y Steve Marker, no podían decepcionar, por ello guardaron para el tramo final la artillería pesada que el público madrileño rugía por escuchar When I Grow Up y Push It. Haciendo vibrar a todo el mundo para luego meterlo en formol con esa adictiva confesión íntima llamada The Day That I Met God. Una lluvia de notas hechas con sintetizadores y entremezcladas con melancolía.

 Para terminar, no podía faltar la ironía hecha temazo con un título tan sugerente como I'm Only Happy When It Rains, precisamente una crítica a ese grunge al que contribuyó Butch Vig a hacer internacional y con el que tuvo que pelear Garbage para sacar la cabeza desde los más profundo de la 'basura' a todos los rincones del planeta, aunque el mundo nunca parezca suficientemente grande.

La 'gente guapa' de Marilyn Manson vibra en Vistalegre

Marilyn Manson ha tenido una carrera profesional irregular, pese a su prometedor inicio. Su segundo disco 'Antichrist Superstar' (1996), producido por ese visionario genio llamado Trent Reznor, agitó los cimientos del metal con un sonido potente y vanguardista, inclasificable y sublime. Rabia imparable en forma de acordes crudos. De este modo, arrancaba una trilogía musical que situó al grupo estadounidense en la cumbre. La estrella del rock, que siempre deseó ser, lucía mucho a finales del siglo XX.

Todo lo que sube, baja; y en este caso planea. Las idas y venidas de miembros importantes en la formación, como Twiggy Ramirez, y los vaivenes discográficos, algunos más acertados que otros, como ese elegante 'The Pale Emperor' (2015), han hecho que pasara de llenar estadios y aparecer en todas las portadas a conformarse con giras en pabellones de tamaño mediano y ser noticia por otras circunstancias.

Brian Hugh Warner, el nombre real de Marilyn Manson, siempre ha vivido en el filo de la navaja, y disfrutaba de esa controversia. Era el hombre al que había que temer. La provocación era parte de su espectáculo, de su teatro de emociones sobre los escenarios. Hasta que la polémica salpicó a su vida personal de manera pública, acusado de agresiones sexuales.

 La llegada de Tyler Bates a la formación dibujan una nueva etapa, menos rebelde y más reflexiva, más acorde con el devenir de los años. No va a haber una segunda parte del Antichrist Superstar porque la expectación no es la misma que en 1996, ni siquiera la banda es la misma. Tampoco el público es el mismo. La crisálida quedó atrás y la metamorfosis ha traído un nuevo mundo. Y ese nuevo mundo no parece necesitar a Marilyn Manson. 

Marilyn Manson + Dead Posey en el Palacio Vistalegre (Madrid), 28 de noviembre de 2025

 El cariño y el amor muchas veces no se puede explicar. Uno quiere a veces al que no puede y otras veces al que no debe. Se puede apreciar mucho la música de Marilyn Manson, entender a las víctimas y señalar al verdugo de este juicio popular. Se puede separar arte de artista, y en ese proceso nos encontramos.

Se puede adorar su hipnótica voz, sus letras, la evolución y la transformación que se ha producido en cada disco, madurando su discografía tras haber vomitado toda su cólera en los primeros trabajos. Sé que quienes comparten esta pasión, entienden esta locura y las dudas.

Como polillas que se acercan a la llama, el Palacio Vistalegre se fue llenando para asistir a otro concierto del 'reverendo' en la capital, quien va camino de cumplir las tres décadas de actuaciones en Madrid. Algunas mejores y otras mejorables, porque su relación con esta ciudad siempre ha sido singular.

La simbología ha tenido mucho peso en Marilyn Manson, especialmente el tarot y la imaginería cristiana. Siete Cruces de Lorena parpadeaban en tonos rojos y blancos entre la oscuridad para indicar el inicio del ritual, el cual necesitaba magia tras el fuego avivado por Dead Posey, cuya cantante Danyell Souza, una mujer con mucho carisma, se llegó a entremezclar por la pista en su brillante actuación. 

Marilyn Manson salía a las 21:00 horas entre la penumbra luciendo un evidente gran estado físico, después de varias giras donde su aspecto era menos saludable, y lo hacía con Nod If You Understand el cual parece una pista descartada de finales de los 90, pero sin la fuerza de entonces. El objetivo era presentar el último álbum y así lo constataba con esta apertura que pillaba todavía fría a la audiencia que ya rebosaba la Plaza de Toros cubierta del distrito madrileño de Carabanchel.

Pronto asomaba la particular Santísima Trinidad discográfica del que fuera sacerdote de Satán en su día. Sonaban la potente Disposable Teens, del 'Holy Wood (In the Shadow of the Valley of Death)' (2000), esas guitarras afiladas con las que rasga el Angel With The Scabbed Wings, del 'Antichrist Superstar' (1996), y la vuelta a la superficie con el Great Big White World del 'Mechanical Animals' (1998). Tres muestras de su mejor época, y el público lo agradecía. Y enloquecía.

Si algo caracteriza tradicionalmente a Manson en los directos es la escasa interacción con el público, un repertorio lleno de sorpresas, con ausencias notables, y una duración por debajo de dos horas. Cumplió con casi todo el guion, menos con su actitud. De hecho, estuvo dialogante, reivindicativo, dirigiéndose a los fans y muy metido en su papel de frontman.

 One Assassination Under God, el título homónimo del último trabajo, era de esperar que sonara en el setlist. Y lo hizo que ese tono muy cinematográfico, oscuro y gótico gracias al apoyo de los teclados y que lleva la inconfundible dirección de Tyler Bates. Temazo envuelto en terciopelo negro que habría aplaudido David Lynch.

Como si fuera una ruleta rusa con pocas balas y muchos huecos, This Is The New Shit precedía a The Reflecting God, otra de esas piezas de orfebrería que tiene el Antichrist. Un álbum difícil de escuchar al principio pero difícil de olvidar después. Sacrilegious es como un autoplagio de éxitos anteriores en su carrera. En directo gana más, pero sigue siendo menos de lo que apunta.

El espectáculo ya había cruzado su ecuador en un visto y no visto. The Dope Show y I Don't Like The Drugs (But The Drugs Like Me) se solapaban y recuperaban la época glam de la formación para llegar al As Sick as the Secrets Within. Una confesión hecha canción, una temática que se repite en el álbum, y que destaca en este último disco, especialmente por los primeros riffs, marca de la casa.

Repertorio de Marilyn Manson en Carabanchel (2025), via www.setlist.fm

 

Marilyn Manson es muy dado a las versiones. No hay duda que con el Sweet Dreams de Eurythmics lo bordó. El tono tétrico y pausado fue un tremendo acierto para modernizar y oscurecer un hit ochentero del synth pop. Un clásico que no debe de faltar nunca en un concierto suyo, donde le añade un tono aún más lúgubre cantando ante un micrófono iluminado. Aquí Vistalegre pidió su turno para cantar y Manson concedió el deseo.

Antes del doble bis llegaba mOBSCENE, que bebe mucho, demasiado, del Be Agressive de Faith No More, especialmente en los coros, y The Beautiful People, el himno de Marilyn Manson por el que fue aclamado en su momento por crítica y público. Y el público siempre desea botar, vibrar y dejarse las gargantas en el estribillo.

Tras la pausa, se abrían las heridas de nuevo con Tourniquet, el cual conducía de nuevo a Vistalegre por esa colosal sinfonía industrial que es el 'Antichrist Superstar'. Lo hacía como antaño, subido en unos interminables zancos y conservando el equilibrio. Meritorio y circense.

Antes de que las trompetas del Apocalipsis llamaran al final del mundo, Coma White cerraba la noche bajo unos copos llovidos, como si fuera Vistalegre una gran bola de nieve agitada, con ese críptico mensaje "eras de un mundo perfecto, un mundo que me desechó hoy", aunque por esta noche sigamos teniendo a Marilyn Manson entre nosotros, por fortuna para el arte y para su verdadera 'gente guapa', quienes han disfrutado de un renovado artista.

Spawn, el antihéroe del infierno que suena a Marilyn Manson

 Spawn (1997) trata sobre un antihéroe que regresa del infierno a la tierra tras un acuerdo con el diablo. Es una adaptación cinematográfica del cómic creado en 1992 por el canadiense Todd McFarlane que no pertenece ni a DC ni a Marvel, las dos grandes editoriales que copan la industria. 

Spawn tiene puntos a favor, tanto por el origen afroamericano del personaje, lo que le otorga un público más amplio, además de un ambiente oscuro para el desarrollo de la acción y un personaje atormentado que comparte planteamientos con Fausto, por vender su alma en el averno, y de la obra 'Paraíso Perdido' (Paradise Lost), de John Milton.

 En el reparto destacan como protagonistas Michael Jai White, John Leguizamo, en un digno papel como 'Violator', caracterizado como un payaso, quien recuerda a su vez al supuesto afable pero en realidad asesino en serie John Wayne Gacy, y finalmente Martin Sheen, quien pone la cara más conocida al reparto.

El personaje de 'Violator' es el recurso cómico en algunas ocasiones, con referencias sexuales en sus chistes, y alterego de Spawn en este universo gótico al que no le falta una catedral con gárgolas, al más puro estilo del 'Batman' de Tim Burton.

LA BSO 

El 'score', o parte orquestado correspondió al compositor neozelandés Graeme Revell, avalado por la fama de su trabajo en 'El Cuervo', cuya influencia en Spawn también es significativa, pero sin el éxito de la película de Alex Proyas.

La banda sonora recoge muchas de las tendencias que tenía el rock y el metal a finales del milenio. Están Filter, metal alternativo, la fusión de Tom Morello, integrante de Rage Against The Machine y Audioslave, el rock alternativo de Incubus, el post-grunge de Silverchair, la parte más electrónica a cargo de The Prodigy y Marilyn Manson con un tema inédito, Long Hard Road Out Of Hell, que también dio título a la biografía del cantante.

El vínculo de Marilyn Manson con Spawn ha perdurado, dado que el videojuego que apareció en 2015 también contó con otro tema del grupo, aunque en este caso no se trataba de un corte hecho ex profeso para la banda sonora. 

'Butaca y Butacón' es un programa cinematográfico de http://La-Fm.es que ha recibido el premio #ASECAN2021. 

 'Disparatado Treintañero' es el espacio cinematográfico de Nicolás G.M., tanto en su blog personal como en este podcast.

Depeche Mode toca el cielo de Madrid con 'Memento Mori'

 Ser fieles a uno mismo y a la vez seguir evolucionando es una de las tareas más complicados que puede tener una persona, y también un grupo musical. Depeche Mode no ha perdido la esencia desde que en 1980 nos regalaran sus primeras sintonías, aunque se han quedado atrás en el camino varios pilares de la formación. Ahora son Martin Gore y Dave Gahan los que sostienen como dueto el proyecto. Dos patas fuertes para elevar a lo más alto uno de los mitos de la música electrónica.

El prematuro fallecimiento de Andrew Fletcher en 2022, fundador de Depeche Mode, y elemento clave del grupo, no es uno de los temas recurrentes de su último trabajo 'Memento Mori', que pese al nombre tan apropiado, dado que en latín significa "recuerda que morirás", ya estaba previsto anteriormente, desde la época de la pandemia.

 

Depeche Mode pertenece a esa eclosión de grupos británicos que se movían a finales de los 70 y principios de los 80 entre el pop y el rock a base de sintetizadores y de percusión electrónica para dibujar melodías embriagadoras. Por ahí desfilaban Duran Duran, Erasure, New Order, Soft Cell, Pet Shop Boys o The Cure. 

El tiempo castiga a todos. A algunos menos. The Cure y Depeche Mode son los que mejor se adaptaron a los cambios, sobreviviendo a modas y nuevos públicos, sobreviviendo a estilos y nuevas pautas. Con esta reciente metamorfosis afrontaban una nueva gira para presentar el decimoquinto álbum de estudio.

Depeche Mode en el WiZink Center de Madrid, 12 de marzo de 2024

El 'Memento Mori Tour' siguió en Madrid la ruta establecida en otras ciudades. El oscuro sonido del genial tema My Cosmos Is Mine, como invitando a los presentes a adentrarse en un desconocido mundo, se solapaba con el estilo más popero y alegre de Wagging Tongue.

Si alguien pensaba que el último disco iba a ser el protagonista, estaba equivocado, era solo una excusa. A partir del tercer corte, Walking In My Shoes, indicaban que el camino iba a ser largo. Un largo paseo por una colección de éxitos tan significativa que uno no sabe nunca cuál es el tema más famoso de este grupo.

La voz de Dave Grahan tiene alma de prestidigitador, de mago de las palabras, de seductor del viento. Una sensualidad que roza el erotismo y cuyo siseo provoca bailar a su ritmo, como una serpiente engatusada e hipnotizada con su encantador, quien giraba como una peonza abriendo las manos en esa característica danza tan marca de la casa.

It's No Good, Policy Of Truth precedían a una versión distinta de In Your Room, una remezcla hecha por Butch Vig de Garbage, y que es más hipnótica y tenebrosa, pero igual de sensual. Como conversaciones entre amantes en un minúsculo espacio.

Depeche Mode siempre ha sido un pionero en poner nombre a unos actores que cumplían con su papel en la oscuridad y a espaldas del mundo. Disfrutando y sufriendo en silencio. Maestros, siervos y esclavos, dolor que se convierte en placer y que funde lágrimas y saliva. Tabúes rotos. Literatura erótica que ya vieron la luz antes de que las librerías abrazaran con pasión este género.  

 Depeche Mode han hablado como tantos grupos de drogadicción y adicciones, pero se han sabido mover con soltura y como nadie con otras temas como religión y sexualidad, a veces entremezclándolos, como solo Madonna y ellos lo han sabido hacer. Pecados que se hacen públicos entre oraciones. Gemidos en la almohada mientras se invoca a un ser superior.  

Everything Counts abría la etapa más relajada del concierto con Precious y Speak To Me allanando el camino a las emociones. Era el momento de Martin Gore para sentir los focos en exclusiva sobre su sempiterno corte de pelo tan ciberpunk y futurista. Strangelove y Somebody se exhibían tan frágiles que parecía que fueran a evaporarse por la calle Goya.  

Depeche Mode parece pecar de simple, pero ahí está la complejidad. Sus grandes temas son varios tonos de teclado perfectamente encadenados. Una contraseña corta pero efectiva y segura para conseguir la fiabilidad. La fórmula la han vuelto a repetir en este nuevo álbum, con temas como Ghost Again, con un estilo que evoca a New Order y un videoclip deudor de Ingmar Bergman en el 'Séptimo Sello'.

El repertorio seguía con I Feel You, y esa maravillosa guitarra tan country que con poco hace tanto, A Pain That I'm Used To, Behind the Wheel, con sentida dedicatoria al ausente Andrew Fletcher, para seguir con Black Celebration y Stripped, ese prodigioso corte con alma industrial que los alemanes Rammstein también incluyen en sus repertorios.

John The Revelator, del último álbum, se colaba por delante de un Enjoy The Silence sorprendente que incluyó a una bailaora de flamenco, Belén López, quien hechizaba un tema ya de por sí mágico, además de dar un toque puramente español a la fiesta.

Todavía quedaba más: el dueto cantaba y susurraba Waiting For The Night, como si fuera una nana, para acabar con Just Can't Get Enough y Never Let Me Down, haciendo que las manos del público se movieran como una marea gigante de brazos al son del compás.

Personal Jesus cerraba el espectáculo. El mismo tema a modo de plegaria que sedujo en su día a Marilyn Manson, aunque hable de la tortuosa relación entre Priscilla y Elvis Presley, el mismo libro que enamoró a Sofia Coppola, y que ahora encandilaba a las 15.000 personas presentes en el WiZink Center. Dice el dicho que de Madrid al cielo. Y es así, pero con Depeche Mode el camino es aún más fácil de realizar. "Reach out, touch faith".

Rob Zombie sumerge a Madrid dentro de sus pesadillas

La capacidad creativa del norteamericano Robert Bartleh Cummings parece no tener límites. Hijo de unos feriantes heredó de ellos el carácter nómada, el del artista sin hogar que busca fortuna y provenir en cualquier punto.

El fundador del grupo de metal White Zombie, en 1985, siempre se decantó por la carrera artística en su amplio sentido de la palabra: música, animación, cómics y cine son parte de la producción de este norteamericano ajeno a los convencionalismos y que abraza un universo personal que bebe las influencias del cine de terror, el espectáculo circense y los personajes extravagantes.

De White Zombie a Rob Zombie
Los 13 años de convivencia de la formación neoyorquina fueron moldeando el futuro proyecto personal del cantante. Si a White Zombie, como banda de renombre, le había costado sacar la cabeza de la madriguera, el primer trabajo en solitario de Rob Zombie recogía los éxitos del combo anterior para llegar al mayor número de público posible. Sin cambiar mucho del estilo, sólo modernizando su sonido, e incluso conservando a alguno de sus miembros.

'Hellbilly Deluxe' (1998) aunó todas las ideas de Rob Zombie en un solo producto. Metal industrial con ramalazos electrónicos como concepto musical, un libreto interior propio de una obra de culto de la mejor muestra de novela gráfica y una serie de videoclips que exhibían el lado más socarrón y burlesco de Rob; actuando y dirigiendo con el sello marca de la casa.

El cantante que quiso ser director o el director que siempre quiso ser cantante
El paso de los años intensificaron los trabajos de Rob Zombie. La nueva banda, con John Tempesta como fiel escudero y único componente que quedaba desde White Zombie, desgranaba discos con algo de dificultad, bajando el gran nivel musical situado con el debut de 1998. La explicación era sencilla, Zombie se encontraba en la encrucijada de continuar con la música o emprender el camino de director de cine, donde había dejado su huella con la 'Casa de los 1000 cadáveres'.

Zombie siempre ha sabido añadir con estilo su condimento a platos ya preparados. Estéticamente bebe de la escenografía de Alice Cooper y musicalmente de Ozzy y Black Sabbath. Lo mismo se podría decir del cine, donde los 70 son su década de referencia, colocando en un cóctel a John Carpenter con toques del Tarantino más gamberro, con quien coincide en el gusto por los filmes menos conocidos, la infravalorada serie B.

Zombie sabe perfectamente a qué público se dirige. Ninguna de sus obras ha sido fácil de digerir. Lo que no quiere decir que no sea aplaudido o reconocido, como ha quedado demostrado con el reciente premio honorífico en el festival de cine fantástico de Sitges. Y es que la perturbadora, pero genial, 'Renegados del Diablo' no deja indiferente a nadie, con ese estilo insano que repugna o atrapa. 

Aquel fue el punto de inflexión para que Zombie asumiera el reto de relanzar el mito de 'Halloween', presentando un Michael Myers paradójicamente más humano, extraño viniendo de un apasionado de caricaturizar a los personajes y de crear iconos inesperados, como el Capitán Spaulding.

Rob Zombie, en directo, 23 de junio de 2014 en la Riviera (Madrid)
La importancia de los teloneros es casi tan clave como un repertorio adecuado. La presencia del grupo de nu-metal Powerman 5000, cuyo líder es hermano de Rob Zombie, y de los incombustibles Def Con Dos garantizaron que la audiencia calentara motores, máxime si el 'Día de la Bestia' sonaba atronador, anunciando que el despertar de los muertos de George A. Romero iba a tomar Madrid.

El cuarteto de Rob Zombie salió confiado al escenario de La Riviera que apareció engalanada con imágenes de iconos del terror clásico -King Kong, Frankestein, el Hombre Lobo...-, incluso la forma del micrófono era la de Nosferatu, guiños constantes del de Massachusetts al horror en el séptimo arte.

El homenaje al vampiro más clásico del celuloide prosiguió con la apertura del concierto a través de Teenage Nosferatu Pussy y una continuación arrolladora formada por Superbeast y Living Dead Girl, dos de las piezas angulares de su aclamado 'Hellbilly Deluxe'.

Todo encajaba dentro de la escaleta planeada por Zombie. A la que se sumaba el guitarrista John 5, robando protagonismo a través de sus multitudes cambios de look, siempre espectaculares y sorprendentes, un recurso ya utilizado en su etapa compartida con Marilyn Manson, de donde también ha desembarcado el gran batería Ginger Fish, cuya integridad física no peligra como junto al Reverendo.  

El set list forzó pequeños altibajos, en parte paliados porque la implicación de Zombie fue de menos a más, de casi no dirigirse al público hasta mezclarse con él, de un modo que nadie recuerda en La Riviera con ningún artista, llegando a aparecer entre las palmeras que están situadas en el centro de la sala como un soldado que toma una ensenada. Todo un acierto por su parte.

La parte negativa la ofreció un detalle que acompaña a Zombie a la hora de crear. Tiene arte, estilo y personalidad propia, pero le falta a veces enganchar y mantener el ritmo de forma constante, tanto en la música como en sus películas, donde su maestría a la hora de dirigir compite con algunas lagunas en los guiones.

El recuerdo a White Zombie estuvo patente con More Human Than Human y Thunder Kiss'65 como también a uno de sus referentes musicales, Alice Cooper, con la versión del School's Out dentro de una vorágine de temas que iban y venían, perdiendo y recuperando a la vez a parte del público que se debatía entre saltar de forma diabólica o evadirse entre los juegos de luces que manaban de los trajes de John 5.

Todo ello cambió con el sprint final compuesto por Dragula, el 'cover' setentero de Grand Funk Railroad con We're An American Band y como colofón un postrimero Scum Of The Earth que dejó con un buen sabor de boca a Madrid, pero con algo de apetito, con la sensación de que esta pesadilla visual y musical podría haber inquietado más.

Rammstein y David Lynch: El fuego camina con ellos

El rock tradicionalmente ha hablado inglés. Es un estilo musical fuerte y sonoro que encaja con el idioma utilizado por Shakespeare y que ha forzado a muchos nuevos grupos a abandonar su lengua materna sin importar su procedencia. Alemania no ha sido una excepción, las raíces germánicas ayudaban al cambio aunque con el paso del tiempo la tendencia ha variado para cantar o titular en alemán: Die Ärzte, Die Toten Hosen, Lacrimosa, Oomph!, Wir Sind Helden y Rammstein triunfan con éxito tras la senda marcada por Kraftwerk o Die Krupps.

El universo de David Lynch
David Lynch es uno de los directores de cine más inspiradores de la industria de Hollywood. Lynch ha creado un universo particular donde rodar. Un espacio personal inquietante sacado del mundo de los sueños con personajes estrambóticos que se escapan de los arquetipos habituales. Antes de dirigir su película más intimista, que terminó siendo la más accesible, 'Una historia verdadera' (1999), envolvía a crítica y público en otra historia confusa, surrealista, adictiva y potente que tomaba por nombre 'Carretera perdida' (1997).

 
La pasión del autor por la música es otro de los sellos de sus obras, junto al compositor Angelo Badalamenti han tejido las piezas adecuadas para cada una de las producciones como quedó demostrado en la icónica serie de televisión Twin Peaks (1990-91), que enganchó a millones de personas para seguir las evoluciones del misterioso asesinato de Laura Palmer bajo las delicadas notas orquestadas por Badalamenti, y que más tarde tuvo una continuación en la cartelera -a modo de precuela- bajo el título de 'Fuego camina conmigo' (1992).

Previamente, con 'Corazón Salvaje' (1990) había encontrado a Elvis Presley y Chris Isaak -con su célebre Wicked Game- como los mejores aliados para aportar un sonido sesentero a la cinta, pero las escenas oníricas que generaba Lynch en su cabeza para su siguiente cinta, 'Carretera Perdida', necesitaban un sonido transgresor, moderno y violento que acompañara las agresivas piezas de jazz creadas por Badalamenti.

El pesado grupo alemán llama a las puertas de Lynch
Lynch encontró artistas tan rompedores y novedosos en la música como el estilo que practicaba el director de Montana en la gran pantalla. El polifacético Trent Reznor, líder de Nine Inch Nails, trajo de la mano a Marilyn Manson quienes habían revolucionado el mundo del metal, un año antes, con su celebrado 'Antichrist Superstar'. La pesadilla preparada por Lynch abrazaba una adecuada  banda sonora iniciada y terminada con un mito como David Bowie.

A ellos se sumó un, por entonces, semi desconocido grupo alemán, Rammstein, que según cuentan solía enviar maquetas al cineasta para que las escuchara. El estilo industrial de los germanos encajaba a la perfección con el listado de temas ejecutados por Reznor y Marilyn Manson, quien dejaba dos joyas como Long Hard Road Out Of Hell y I Put A Spell On You, temas que se revoloteaban en el ambiente como una polilla ante la luz de una bombilla.

El maestro de la intriga demencial, capaz de colocar inconexas piezas que terminan encajando en un inquietante puzle, se volvió a coronar con 'Carretera Perdida' y colocó a Rammstein en la autopista del éxito comercial, justo en el instante en el que salía al mercado su segundo trabajo: 'Sehnsucht'.

Rammstein, furia desde el otro lado del muro
La formación surgió en 1994 en Alemania con un sexteto capitaneado por el peculiar áspero tono de voz de Till Lindemann dentro de un estilo que alterna y combina el metal industrial con recursos y aspectos propios de la música electrónica. La procedencia de la mayoría de los miembros es de la extinta R.D.A. (República Democrática Alemana)

La ciudad germana de Ramstein -próxima a Kaiserlautern- y el accidente aéreo que se produjo en la cercana base aérea norteamericana -donde varios cazas italianos impactaron entre sí y contra el público en un espectáculo acrobático en el año 1988- pudieron ser el motivo para dar nombre a un grupo que ha llegado a superar los 20 millones de copias vendidas de una discografía que abarca 6 álbumes de estudio y 2 discos en directo.

Rammstein, 21 de abril de 2013. Palacio de los Deportes (Madrid)
El grupo alemán ha heredado el estilo de la escenografía de grandes del rock como los Rolling Stones, Kiss, Iron Maiden, Alice Cooper o AC/DC. Para esta cita de 2013, un DJ con temas remezclados de Rammstein, e imágenes de  la directora de cine habitual del III Reich -Leni Riefenstahl-, sirvieron de aperitivo para la bacanal que se tenía prevista.

Los entremeses fueron llegando poco a poco hasta darse de bruces con uno de los primeros grandes éxitos: un Sehnsucht (nostalgia) que aceleraba a un receptivo público madrileño que necesitaba pocos incentivos para seguir el enérgico y a la vez rítmico sonido del combo teutón.

La pirotecnia y la teatralidad habían asomado por el Palacio de los Deportes para tomar forma definitiva con dos temas premonitorios: Feuer Frei! (¡Fuego a discreción!) y Mein Tail (Mi parte), canción que sirvió para recrear la grotesca historia del 'caníbal de Rotemburgo', que todavía conmociona a Alemania. El atrezzo preparado incluía una humeante olla y la transformación de Till Lindemann en un macabro y sangriento chef dispuesto a cocinar al teclista. El primer plato acababa con un suave sorbete como Ohne Dich, una dulce licencia en el intenso repertorio.

Foto prestada por mi colega Vidal: pollobarba

El pabellón recuperaba su temperatura de cocción alternando cortes del primer y último disco para saciarse con los clásicos de la formación. Links, 2-3-4 (que explica la orientación política de Rammstein), Du Hast e Ich Will, las cuales sonaron potentes y magistrales, haciendo brincar y saltar a una fogosa audiencia que respondía de manera marcial ante la llamada del metal más bailable.

Tras un breve descanso, Rammstein abrió el segundo set con una novedosa y sentida versión a piano del Mein Herz Brennt que anticipaba el calor irradiado desde Sonne para culminar con otra alegoría apta solo para adultos.  La primera había sido sufrida por el teclista con Bück Dich y la segunda se alcanzaba tanto con el contenido de  la letra de Pussy como a través del cañón de espuma, los cuales ponían fin al show e inundaban a los asistentes en un extenso orgasmo visual y sonoro de casi dos horas de duración. Danke Rammstein.

Hurt: Trent Reznor y Johnny Cash unidos por el dolor

La canción Hurt fue escrita por Trent Reznor para cerrar el disco 'The Downward Spiral' (1994) del grupo Nine Inch Nails. A lo largo del tiempo, ha sido interpretada por numerosos artistas: David Bowie, Eddie Vedder, Anathema o Tori Amos (ex novia de Trent Reznor). Pero sólo Johnny Cash, con su interpretación casi póstuma, iguala a la versión original.

¿Quién es Trent Reznor?

Reznor comenzó trabajando como personal de mantenimiento de un estudio de grabación. En los periodos de descanso tenía permiso para preparar sus demos. Aquellas maquetas fueron tomando forma hasta convertirse en 1989 en su álbum de debut: ‘Pretty Hate Machine’.

Reznor es el único representante del grupo Nine Inch Nails -su alter ego en la industria musical- donde realiza las labores de productor, compositor, letrista y multiinstrumentista. Para las giras le acompañan otros músicos, hasta 19 ha llegado a utilizar, de la categoría de Chris Vrenna, Jeordie White -más conocido por su seudónimo Twiggy Ramirez- o Charlie Clouser -teclista y autor de la banda sonora instrumental de la saga de terror Saw-.

El rock industrial de Nine Inch Nails

Su estilo es el rock industrial, donde destacan los teclados, baterías electrónicas y sámplers por encima del resto de sonidos. En su ópera prima destacaban cortes como Head Like A Hole, Terrible Lie, Sin y en especial la balada Something I Can Never Have donde una melodía a piano triste y melancólica suena repetidamente hasta casi deshacerse mientras Reznor martiriza con su letra una relación amorosa.

Es uno de los músicos con mayor capacidad creativa e imaginativa de la industria musical contemporánea. Ha influido a numerosos artistas: entre otros a Marilyn Manson, con quien siempre ha mantenido una relación de amor-odio y que fue el segundo fichaje del sello discográfico Nothing Records. Creado por Reznor en 1992 y cuyo primer contrato fue obviamente para fichar a NIN (acrónimo de Nine Inch Nails).

Reznor ha editado bajo el nombre de Nine Inch Nails ocho álbumes de estudio y ha vendido más de veinte millones de discos. Alcanzó la madurez compositiva y la cumbre del éxito con su trabajo de 1994, 'The Downward Spiral', que cierra con esta joya: Hurt. Este álbum fue grabado en el número 10500 de Cielo Drive, el mismo lugar en el que Charles Manson cometió los asesinatos en 1969.

El 'dolor' de Trent Reznor

Hurt es en voz de Reznor un tema intimista, depresivo y sincero, cantado siempre con extrema delicadeza, agarrando el micrófono como si quisiera aferrarse a un amigo para confesar sus errores cometidos, errores de juventud que le han hecho apartar a los seres más queridos y llevándole a una espiral de autodestrucción.


Traducción de Hurt:  
Hoy me hiero para ver si todavía siento, me concentro en el dolor la única cosa que es real.  La aguja perfora un orificio, el viejo pinchazo familiar trata de matarlo todo pero yo recuerdo todas las cosas.   ¿En qué me he convertido?  Mi más dulce amigo, toda persona que conozco se aleja al final.  Pudiste tenerlo todo: mi imperio de suciedad, te fallaré y te haré daño.   Llevo esta corona de espinas en mi trono de embustero lleno de pensamientos rotos que no puedo reparar.  Bajo la mancha del tiempo los sentimientos desaparecen, eres alguien más y yo aún estoy aquí.   ¿En qué me he convertido?  Mi más dulce amigo, toda persona que conozco se aleja al final.  Pudiste tenerlo todo: mi imperio de suciedad, te fallaré y te haré daño.   Si pudiera empezar de nuevo a un millón de millas de aquí me evitaría encontraría un camino...

    

Cash, el hombre de negro

Johnny Cash fue uno de los máximos representantes de la música country. Cantautor autodidacta y hombre de escenario -en el que siempre aparecía con colores oscuros, de ahí el apodo de “Man In Black”-, Fue considerado como la voz de la gente desheredada de los Estados Unidos e implicándose junto con su querida June Carter, también cantante, en apoyar causas de los más desfavorecidos. En el año 2002 la productora ofrece a Johnny Cash la oportunidad de interpretar Hurt en un disco de versiones. Cash accedió a entrar en el estudio, a pesar de vivir un momento personal complicado marcado por su delicado estado de salud y por la pérdida de su gran su amor.      
 

Hurt adquiere bajo la potente voz de Cash un tono más desgarrador. Su versión se transforma -aún siendo la misma letra- en un repaso por su vida sin imágenes. Las cuales toman forma con el extraordinario videoclip que produjo Mark Romaneck y que recibió el premio a mejor vídeo del año, donde Cash aparece reflexivo, sereno, haciendo balance de su vida, echando la mirada atrás, mientras su esposa lo observa. Donde los éxitos del pasado se llenan de polvo en un museo cerrado y sin público.




Cash ni siquiera oculta el Parkinson que padecía, ni su fragilidad, ni la pasión por la música como cuando termina acariciando delicadamente la tapa del piano. Desgraciadamente, Cash dejó de tocar la guitarra el 12 de septiembre de 2003, para juntarse definitivamente con June Carter, quien llevaba cuatro meses esperándole.

Mis discos favoritos: Antichrist Superstar (1996)

El notable éxito del disco de debut del grupo estadounidense Marilyn Manson, 'Portrait Of An American Family' (1994), que tenía como mejores temas Get Your Gunn y Lunchbox, se vio refrendado con la extraordinaria acogida internacional de la versión, publicada en 1995, del Sweet Dreams de Eurythmics, incluido en un E.P denominado 'Smells Like Children'.

Brian Hugh Warner y Jeordie White, cuyos nombres artísticos estaban formados por la unión de una celebridad femenina y un asesino en serie, es decir Marilyn Manson y Twiggy Ramirez  contarían de nuevo con la inestimable ayuda del polifacético Trent Reznor, alma máter de la banda Nine Inch Nails, para producir el tercer trabajo de la formación. El cual se sumió en un estado de inanición y de consumo de estupefacientes para lograr sonidos diferentes para el disco, que fue bautizado como Antichrist Superstar. 

Camiseta de la gira del Antichrist Superstar (1997), con el logotipo utilizado en el tour 'Dead To The World'

El nacimiento de una superestrella
La primera escucha del álbum crea confusión pero con el paso del tiempo la cacofonía se transforma en melodía y las sucias guitarras, junto a los teclados, van generando una embriagadora atmósfera industrial al disco. Es como una bofetada en la cara de un masoquista, duele y confunde, pero te acaba produciendo placer. El apocalipsis podía presumir de tener compuesta su banda sonora.

Las primeras frases que surgen del álbum, como un grito de guerra, son una declaración de intenciones: “We hate love, we love hate”, cantan varias voces al unísono. Tras ello comienza el espectáculo con unas guitarras incendiarias y una batería que es golpeada con fuerza como un martillo que está a punto de estallar. El camino alrededor del infierno acaba de comenzar con 16 canciones, divididas en tres ciclos que tienen como argumento fundamental la reivindicación del “yo” frente a la sociedad, el puritanismo y la religión. Nietzsche está presente en esta obra como lo está la simbología, numerología o el tarot.

Durante el disco, Marilyn Manson da una lección como cantante interpretando diferentes registros, capaz de pasar a susurrar como un amante, gritar como un poseído o chillar como un animal en celo. Hay lugar para canciones más melódicas, como Man That You Fear o Minute Of Decay, pero siempre manteniendo un tono oscuro y deprimente en la composición, acompañado por letras autobiográficas, duras, oníricas, poéticas y cargadas de símiles.

El disco acaba con una frase repitiéndose constántemente, como un gusano excavando en la cabeza del oyente: "When all of your wishes are granted, many of your dreams will be destroyed". Es decir, "cuando todos tus deseos se cumplen, muchos de tus sueños se destruyen".

Si todo gran álbum necesita su bandera que lo represente, éste personal proyecto del grupo tenía un ramillete de canciones llamadas a formar parte de la futura historia del rock, como: Angel With The Scabbed Wings, Tourniquet, The Reflecting God, y su archiconocido The Beautiful People, con uno de los riffs más simple, efectivo y arrollador que ha dado el rock en los últimos decenios.

El siglo XXI no había comenzado cuando se compuso el disco, pero es el perfecto anticipo de las tendencias utilizadas hoy en día y el mejor ejemplo de la evolución que tomaba la música.

La rebeldía del rock volvía a los escenarios
La gira que tuvo el disco, teloneando a Nine Inch Nails, devolvía al rock al pedestal que había ocupado hasta entonces y que momentáneamente parecía haber abandonado, es decir: rebeldía, agresividad, irreverencia y un estilo contestatario que la sociedad norteamericana no vio con buenos ojos, convirtiéndolos en enemigos públicos. Todo ello servido con cierta teatralidad, con actuaciones que usaban la burla y el disfraz con el objetivo de ser parte del espectáculo y transmitir un mensaje contra el puritanismo.

La filosofía del artista quedaba resumida en la siguiente frase: "A lo largo de la historia, la sociedad siempre ha buscado chivos expiatorios para sus problemas. Bien, aquí estoy yo". (Marilyn Manson, 1996)

El grupo tocaba en la sala la Riviera de Madrid el 1 de junio de 1997, la crisálida se rompía y mostraba una nueva estrella a la que idolatrar en uno de los conciertos más intensos y extraordinarios que se han ofrecido nunca en España.

Estos son algunos fragmentos de distintas canciones del Antichrist Superstar:

 “Pray now baby, pray your life was just a dream”
Reza ahora, cariño, reza por que tu vida fuese sólo un sueño.
“The world in my hands, there's no one left to hear you scream”
 El mundo en mis manos, no queda nadie para oír tu grito.
“There's no one left for you”
No queda nadie para ti.   
(del tema Man That You Fear)


“Take your hatred out on me”
Saca tu odio sobre mí
“Make your victim my head”
Haz de mi cabeza tu víctima
“You never ever believed in me”
Tu nunca creíste en mí 
“I am your tourniquet”
Yo soy tu torniquete
(Tourniquet)


“Hey, Mr. Superstar”
¡Eh!, Sr. Superestrella
"I'll do anyhting for you"
Haré cualquier cosa por ti 
Hey, Mr. Superstar
¡Eh!, Sr. Superestrella 
"I'm your number one fan"
 Soy tu fan número uno
(Mr. Superstar)


“There is a dream inside a dream, I'm wide awake the more I sleep”
Hay un sueño dentro de un sueño, me despierto cuanto más duermo
“You'll understand when I'm dead”
Lo entenderás cuando esté muerto 
“I went to God just to see, and I was looking at me”
Fui a ver a Dios, y me estaba viendo a mí
(The Reflecting God)