A petición de mi compañero de fútbol,
Álvaro Guitiérrez, y después de haber escuchado concienzudamente los discos que tengo, he decidido tomar el relevo de su lista con las canciones más deprimentes y hacer la mía propia. Así también, recupero el apartado musical al blog.
Para no saturar el artículo con vídeos, colocaré un enlace en el título que redirija a 'Youtube'.
En orden alfabético:
1. Adagio For Strings- Samuel Berber (1938)
Escrito por el compositor norteamericano Samuel Berber, viene siendo utilizada últimamente como pieza habitual para homenajear a los fallecidos. Su popularidad se incrementó por la aparición en la banda sonora de distintas películas, embelleciendo la escena, como el maravilloso contrapunto que logra Oliver Stone en Platoon al utilizar la pieza en la escena con mayor clímax de la cinta.
2. Beth- Kiss (1976)
Fue la primera balada exitosa del grupo norteamericano de
hard rock, famosos por su accesible música, los disfraces, maquillajes y fastuosos espectáculos: Kiss.
La canción habla sobre un persona que intenta componer aún sabiendo que su chica está sola en casa, excusándose constantemente hasta que reconoce que se quedará preparando la letra de la canción. Con esa idea del perdón en la pareja, de la mentira y la comprensión entre las personas que se quieren, Ted Demme utilizó el tema en una de esas hermosas escenas que tiene la maravillosa película
'Beautiful Girls'.
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| Concierto de Kiss en el Palacio de los Deportes de Madrid en 2010. |
3. Pearl Jam- Black (1991)
El genial álbum de debut de la banda de
Seattle, llamado 'Ten', contenía un sincero ejercicio de un amor, una reflexión sobre un corazón roto por una mujer especial. Pearl Jam ha compuesto grandes canciones bañadas en tristeza, como
Nothingman o
Betterman, pero con
Black se gana emotividad y viendo a Eddie Vedder cantando el tema en directo, siempre de manera apasionada, se aprecia el tono personal que tiene esta canción que termina apagándose, en un lento
riff de guitarra, como aquel amor pasado.
4. Cemetary- Silverchair (1997)
Formación australiana que nació pronto, creció deprisa y murió joven, teniendo tiempo de dejar su destello de calidad en la década de los 90 con un rock independiente que tenía cierto regusto a
grunge. El uso de guitarras acústicas, junto al de las cuerdas y percusión de la orquesta, aportan a este single un tono desgarrador que encaja con la sensibilidad e ideales de gran parte de los grupos surgidos en ese decenio influidos por las bandas de
Seattle.
5. Disarm- Smashing Pumpkins (1994)
Como ya expuse en su momento, al hablar del
post-grunge, Smashing Pumpkins fue encuadrado fuera del movimiento musical de Seattle aunque mantuvo muchos elementos que les hacía merecedores de la etiqueta
grunge. En especial con este disco, 'Siamese Dream', más personal e íntimo, en el que destaca esta melancólica melodía llamada
Disarm, en la que Billy Corgan recuerda su niñez de una forma metafórica.
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| The Smashing Pumpkins en la Sala La Riviera de Madrid, 2011. |
6. Eden- Hooverphonic (1998)
Hermosa canción del grupo belga de
trip-hop, Hooverphonic
, que en su versión "desenchufada" gana en melancolía al ralentizar el ritmo, ayudado por la aparición del piano y de los violines que confieren al tema de una increíble atmósfera de serenidad.
7. Exit Music (For A Film)- Radiohead (1997)
Radiohead son uno de los grupos más vanguardistas de la música contemporánea, entre su variada discografía hay temas que invitan a la tristeza como su famoso
Creep, pero con esta canción, inicialmente pensado para aparecer en los créditos finales de la versión cinematográfica de Romeo & Julieta (de ahí el título), terminó enriqueciendo a su afamado y redondo disco 'O.K. Computer', dotándole de un contrapunto de reflexión al álbum que muestra a un Tom Yorke cantando con una rabiosa vitalidad contenida.
8. Glycerine- Bush (1994)
En 1994 con Kurt Cobain recién fallecido, Bush editaba su célebre 'Sixteen Stone'
para prolongar el legado
grunge de Seattle.
Glycerine es un corte que desprende sentimientos, donde las guitarras acaban fundiéndose con violoncellos para otorgar amargura a la composición ante la ausencia de elementos tan propios del rock como la batería o el bajo. La banda inglesa abanderaría con este disco un estilo de rock alternativo denominado como
post-grunge.
9. Hallelujah- Leonard Cohen (1984) y Jeff Buckley (1994)
Hallelujah fue publicado en 1984 dentro del álbum 'Various Position's. Es un tema que tiene un sonido casi sacro, gracias al estilo góspel de los coros, que encaja a la perfección con la temática religiosa de la letra, aunque con trasfondo de amor y desamor.
El éxito de la canción aumentó en 1991 con una versión más melódica a cargo del galés John Cale, sobre un fondo donde el sonido del piano acompaña su voz. Numerosos artistas interpretaron posteriormente el himno de Cohen, como Rufus Wainwright, Bob Dylan e incluso Bono. Pero ninguno llegó a los niveles del malogrado
Jeff Buckley en 1994, que otorgó a la composición un toque de sensibilidad, tristeza y melancolía con un
tempo más pausado y lánguido para convertirlo en su epitafio.
Ha sido utilizado en numerosas películas y series, pero quizás donde mejor encaja es en el último capítulo de la primera temporada de
The O.C., un final dramático en el que todos los personajes terminan perdiendo una parte de sí mismos y sus imágenes se suceden desfilando ante el espectador con el
Hallelujah de fondo, aumentando el dramatismo.
10. Hurt- Nine Inch Nails (1994) y Johnny Cash (2002)
Trent Reznor escribió este tema para su grupo, Nine Inch Nails (NIN). Una visión personal y tormentosa de la depresión, cantada siempre desde la sensibilidad de una de las mentes más creativas del rock, cuya trayectoria e imaginación ha servido para bautizar el estilo de metal industrial y apadrinar a otro de los gurús de la escena musical, como es
Marilyn Manson.
Hurt fue versionada por el hombre de negro. Johnny Cash, convirtiendo su dolor en una nueva forma de enfocar el éxito de Reznor: más desgarrador, delicado e introspectivo, haciendo de la letra un recorrido por su vida.
11. Hold On To My Heart- W.A.S.P. (1992)
A pesar del aspecto agresivo de la formación, las baladas de W.A.S.P. rebosan sensibilidad. De la amplia lista de temas, me quedo con éste que pertenece a un extraordinario disco conceptual
The Crimson Idol. Donde no sólo los cortes comparten una linea argumental sino que las melodías también tienen una raíz común y distinguible.
En esta canción, Blackie Lawless hace que su personaje
alter-ego en el álbum, Jonathan, se arrepienta de todo lo vivido y tenga el coraje de hacer un ejercicio de confesión antes de engrosar la lista de mártires del rock.
12. In A Darkened Room- Skid Row (1991)
La fama nunca terminó de abrazar completamente a los Skids, cuya amistad con el guitarrista Richie Sambora (el otro artífice de Bon Jovi) les valió el primer contrato. Una responsabilidad superada con creces con sus dos primeros trabajos, el homónimo debut de 1989 donde
Youth Gone Wild,
I Remember You y la genial
18 & Life, destacaban. Al prometedor arranque le siguió la confirmación con el 'Slave To The Grind' de 1991, en el que aparecía este hermoso medio tiempo que trata sobre los abusos sexuales a los niños junto con otro de sus cortes más representativos:
Quicksand Jesus.
El grupo se movía perfectamente en un
hard rock cercano al
heavy metal que los valió el reconocimiento de la industria musical del rock, pero no una fama tan universal como sus paisanos Bruce Springsteen o Bon Jovi, si no más ceñido a los aficionados al heavy.
Al frente de la banda estuvo un cantante cuyo nombre presagiaba estar vinculado a la música, Sebastian Bach, de aspecto aniñado y frágil pero con un tono de voz contundente y melódico que abandonó el barco de los Skid tras su tercer trabajo, 'Subhuman Race': más maduro y de sonido más áspero.
El rumbo de ambos: tanto de Sebastian como el de Skid Row han marchado desde entonces al margen del éxito comercial, dejando atrás una de las carreras más prometedoras dentro del rock y una de las voces más personales de los 90.
13. Lucha De Gigantes- Nacha Pop (1987)
Un tema muy poético, cargado de alegorías, escrito por Antonio Vega y que tuvo una segunda juventud, para ser apreciado por las nuevas generaciones, al aparecer de manera estelar en la película mexicana 'Amores Perros'.
Antonio Vega falleció en 2009, una pérdida anunciada por un artista que parecía cada vez más débil y consumido en cada actuación y que fue uno de los compositores más icónicos de la llamada "movida madrileña".
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