Wunderhorse: rock del siglo XXI que suena a Nirvana o Radiohead

Llega un momento en el que pareces estar viviendo lo que ya se vivió. No es un deja-vu, es simplemente que la sociedad rescata elementos del pasado en el presente, y lo seguirá haciendo en el futuro.

La ropa deportiva es ahora retro o vintage, y los clubes deportivos vuelven a rescatar antiguas equipaciones con el que generar un vínculo con el aficionado, si es que ya no lo tenían.

El cine no para de revivir sagas que parecían en punto muerto o que habían terminado. Superman regresa a las pantallas y lo hace en un verano en el que todos sabemos lo que hicimos, y en el que Danny Boyle vuelve a dibujar un apocalipsis con infectados... aunque no sean realmente 28 años después.

La música no es ajena a esta tendencia. Por eso a nadie le sorprende que un grupo como Wunderhorse, surgidos en 2020, tengan un retrovisor musical y se miren en grupos como Stone Temple Pilots, Bush o Radiohead, asentados en plena década de los noventa. 

La revista musical inglesa New Musical Express consideró el álbum de debut 'Cub' como el más prometedor de 2022, alabando sus raíces punks. Una gran carta de presentación que han querido prorrogar con 'Midas' (2024), quien según la mitología griega convirtió la codicia en una maldición. Un desenlace muy acorde al mundo del rock.

Wunderhorse mira al futuro pero no se olvida de lo hay que detrás, especialmente el sonido que dejó el 'grunge', aquellos grupos que proliferaron por Seattle a finales del siglo XX, como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden o Alice In Chains, aunque ellos sean de Gran Bretaña y aquellos grupos les pille lejos, tanto en el espacio como en el tiempo.  

Wunderhorse + Lavin en la Sala la Riviera de Madrid, 9 de julio de 2025

Lavin hicieron una especie de set improvisado semiacústico donde mostraron su destreza. Experimentados, pese a ser jóvenes, y dejando una gran imagen. Mención especial al dueto con Daniela para cantar Cementerio. Se marcharon entre aplausos tras criticar a la organización por no poder tocar la batería. No fueron las únicas, ni las últimas personas, enfadadas esta noche.

Julio no es la mejor época del año para visitar Madrid. Hace calor y mucha gente se ha marchado de vacaciones, pese a ello, el público quiso arropar a Wunderhorse, aunque la formación británica tuvieran otro pensamiento en su cabeza.

El grupo lo forman Jacob Slater (voz), Harry Fowler (guitarra), Jamie Staples (batería), y Seb Byford, quien ha relevado a Peter Woodin (bajo). Seb Byford es hijo de una leyenda del heavy, Biff Byford, cantante de Saxon. Más mimbres clásicas para este prometedor proyecto musical.

El concierto fue técnicamente bueno, muy bueno, más que notable, pero el cuarteto estaba en su burbuja particular, rumiando sus problemas y gestionando enfados. Poca interacción con el público y un repertorio escaso, de poco más de una hora, aunque es verdad que su discografía no da para más. Pocas palabras y caras largas. 

Empezaron con el corte Midas y siguieron con Butterflies, con ese pegadizo estribillo. Jacob Slater lucía una camiseta del 'Mellon Collie and the Infinite Sadness'. Su cabeza rapada hacia juego con la de Billy Corgan, otro guiño más a los 90 desde el escenario para un público muy joven que coreaba los temas.

Los minutos pasaban, la buena música seguía sonando, pero la actitud no había cambiado. El ritmo aparentemente calmado vivía algunos arreones llenos de improvisaciones. Muy punk. Muy rebelde. Mucha rabia, no solo a través de las guitarras.

Arizona hacía alargar su estribillo. Ese "Where Do You Go To", que podría haber sido una buena reflexión para el grupo en ese momento. Porque todos sabíamos dónde estábamos, pero no a qué parte nos iba a llevar la actuación. Todo iba más rápido de lo deseado. Pocas pausas y ninguna explicación.

El cronómetro marcaba la hora y sonaba Superman. Precioso tema de mucha calidad. Un corte que puede ser catalogado como balada pero que tiene alma, dolor y un punto de tragedia. Si uno cierra los ojos, parece que Thom Yorke esté ahí a tu lado entre susurros y lamentos. Si la ha escuchado Cameron Crowe o Kevin Williamson, seguro que encajaría a la perfección en una escena dramática dentro de un ambiente juvenil. El drama se había asentado en La Riviera.

   

Rain era la última canción de la noche. La misma que ha cerrado en otras ciudades de la gira, con la diferencia de que en Madrid sonaron menos temas. Dicen que la lluvia limpia los pecados. No habría venido mal algo de agua esta noche, y alguna respuesta a varias preguntas, para haber apartado la ira del escenario y así haber conseguido una actuación de diez, porque este grupo apunta maneras, musicalmente hablando.

 

La medicina ofrecida por Placebo cumple con su cometido

El placebo es una sustancia inocua capaz de experimentar efectos positivos sobre cualquier persona, a pesar de no contar con ninguna propiedad particular. Este es el título que eligieron dos viejos compañeros de escuela, Brian Molko y el escandinavo Stefan Olsdal, tras reencontrarse en Londres y decidir fraguar un proyecto musical clave en la escena musical británica de principios de los 90.

Contrario a su definición, Placebo como banda siempre tuvo características propias, un toque personal que abarca desde la voz nasal, con el timbre personal y rasgado de Molko, pasando a la poética guitarra de Olsdal, capaz de entonar embaucadoras ráfagas de notas musicales que siguen el compás de una potente batería, ahora en manos de Steve Forrest.

Placebo se ha sabido manejar con soltura entre las emociones y la sensualidad, dos terrenos donde dejan huella con elegancia. La apuesta natural de unos artistas que juegan habitualmente con la ambigüedad sexual y los excesos como reclamo ante su variopinto público.

Encasillados como una banda de rock alternativo y habitualmente dentro del britpop –aunque Molko naciera en Bélgica y Olsdal en Suecia-, con frecuencia se han mantenido aparte de la etiqueta, ya que su música no acaba de encajar con las tendencias marcadas por los abanderados tanto de la primera ola formada por Oasis, Blur o Pulp como en la siguiente hornada capitaneada por Keane y Coldplay.

Si bien es cierto que conservan lazos en común con otros representantes del movimiento, con Radiohead en la experimentación electrónica o Suede en la temática del desamor y la desolación, además de tener un líder de idéntica apariencia frágil y andrógina, como Brett Anderson.

Placebo presenta todos estos adjetivos a cuentagotas, mezclándolos en una coctelera, ofreciendo a veces el lado más íntimo en sus partituras y letras para en otras atacar con un estilo demoledoramente agresivo, casi autodidacta, a través de unas guitarras que abrazan el punk mientras Molko se debate en la oscuridad a luchar contra sus miedos y obsesiones, traducidas en metafóricas estrofas.


Concierto de L.A. y Placebo: Madrid, Palacio de los Deportes -30 de julio de 2014-

El recinto elegido para esta gira de Placebo a su paso por Madrid fue una versión reducida del Palacio de los Deportes, con un telón negro separando el graderío de la pista, estrechando las distancias y acrecentando el calor reinante en el pabellón.

El papel de teloneros recayó sobre los mallorquines L.A., quienes exhibieron sus cualidades en un mini-concierto rotundo con grandísimas sensaciones, invitando no sólo a degustar de su cuidadísimo indie-pop sino de apuntar su nombre para sucesivas giras, trasladando la magia de una noche veraniega en el mediterráneo al corazón de la capital.

Con extraordinaria puntualidad, y protegidos por un discreto juego de luces y monitores, saltaron Placebo, convertidos eventualmente en sexteto para este tour denominado como el 'Loud Like Love', séptimo disco de la formación.

El set elegido se compuso de 20 temas que a pesar del vigésimo aniversario de la banda no supusieron un esperado repaso a la excelente discografía de Placebo, más bien la presentación en sociedad del último trabajo, sonando siete cortes durante la noche, y llevando hacia el ostracismo al anterior redondo: 'Battle For The Sun'.

Obviamente, hubo espacio para que los grandes himnos de la banda se hicieran hueco en el repertorio, motivando los mejores momentos de la velada. En especial cuando se sucedieron Meds, Song To Say Goodbye, Special K y The Bitter End, cuatro clásicos ofrecidos con acierto, bajo una dosis algo más pequeña de lo imaginado.

Porque gustara o no el listado de canciones que aparecieron, la energía y profesionalidad de Placebo es indudable, sacando el mejor sonido posible a través de los bafles, dejándose de artificios y poses, dando prioridad a la música sobre los grandilocuentes discursos -aunque se echara de menos algún comentario extra de Olsdal, cuya casa en Chueca delata su cariño por Madrid y su vida nocturna-.

Ofrecieron un show enérgico que podría haber rozado el sobresaliente si hubieran tenido la valentía de cambiar en Madrid el guión establecido en esta gira de tocar casi por completo el 'Loud Like Love', compensando así la ausencia de Placebo en la capital española en los últimos años, rescatando lo mejor de su lucido equipaje en estas dos décadas de continuos viajes.

Entre las 'píldoras' que no aparecieron: 20 Years, This Picture, Days Before You Came, Taste In Men, Black-Eyed, My Sweet Prince, You Don't Care About Us, Pure Morning o Without You I'm Nothing... demasiadas ausencias para una noche que prometía y aún así acabó cumpliendo.

Mis 25 canciones deprimentes favoritas

A petición de mi compañero de fútbol, Álvaro Guitiérrez, y después de haber escuchado concienzudamente los discos que tengo, he decidido tomar el relevo de su lista con las canciones más deprimentes y hacer la mía propia. Así también, recupero el apartado musical al blog.

Para no saturar el artículo con vídeos, colocaré un enlace en el título que redirija a 'Youtube'.

En orden alfabético:

1. Adagio For Strings- Samuel Berber (1938)
Escrito por el compositor norteamericano Samuel Berber, viene siendo utilizada últimamente como pieza habitual para homenajear a los fallecidos. Su popularidad se incrementó por la aparición en la banda sonora de distintas películas, embelleciendo la escena, como el maravilloso contrapunto que logra Oliver Stone en Platoon al utilizar la pieza en la escena con mayor clímax de la cinta.

 
2. Beth- Kiss (1976)
Fue la primera balada exitosa del grupo norteamericano de hard rock, famosos por su accesible música, los disfraces, maquillajes y fastuosos espectáculos: Kiss.

La canción habla sobre un persona que intenta componer aún sabiendo que su chica está sola en casa, excusándose constantemente hasta que reconoce que se quedará preparando la letra de la canción. Con esa idea del perdón en la pareja, de la mentira y la comprensión entre las personas que se quieren, Ted Demme utilizó el tema en una de esas hermosas escenas que tiene la maravillosa película 'Beautiful Girls'.

Concierto de Kiss en el Palacio de los Deportes de Madrid en 2010.

3. Pearl Jam- Black (1991)
El genial álbum de debut de la banda de Seattle, llamado 'Ten', contenía un sincero ejercicio de un amor, una reflexión sobre un corazón roto por una mujer especial. Pearl Jam ha compuesto grandes canciones bañadas en tristeza, como Nothingman o Betterman, pero con Black se gana emotividad y viendo a Eddie Vedder cantando el tema en directo, siempre de manera apasionada, se aprecia el tono personal que tiene esta canción que termina apagándose, en un lento riff de guitarra, como aquel amor pasado.

4. Cemetary- Silverchair (1997)
Formación australiana que nació pronto, creció deprisa y murió joven, teniendo tiempo de dejar su destello de calidad en la década de los 90 con un rock independiente que tenía cierto regusto a grunge. El uso de guitarras acústicas, junto al de las cuerdas y percusión de la orquesta, aportan a este single un tono desgarrador que encaja con la sensibilidad e ideales de gran parte de los grupos surgidos en ese decenio influidos por las bandas de Seattle.

5. Disarm- Smashing Pumpkins (1994)
Como ya expuse en su momento, al hablar del post-grunge, Smashing Pumpkins fue encuadrado fuera del movimiento musical de Seattle aunque mantuvo muchos elementos que les hacía merecedores de la etiqueta grunge. En especial con este disco, 'Siamese Dream', más personal e íntimo, en el que destaca esta melancólica melodía llamada Disarm, en la que Billy Corgan recuerda su niñez de una forma metafórica.

The Smashing Pumpkins en la Sala La Riviera de Madrid, 2011.

6. Eden- Hooverphonic (1998)
Hermosa canción del grupo belga de trip-hop, Hooverphonic, que en su versión "desenchufada" gana en melancolía al ralentizar el ritmo, ayudado por la aparición del piano y de los violines que confieren al tema de una increíble atmósfera de serenidad.

7. Exit Music (For A Film)- Radiohead (1997)
Radiohead son uno de los grupos más vanguardistas de la música contemporánea, entre su variada discografía hay temas que invitan a la tristeza como su famoso Creep, pero con esta canción, inicialmente pensado para aparecer en los créditos finales de la versión cinematográfica de Romeo & Julieta (de ahí el título), terminó enriqueciendo a su afamado y redondo disco 'O.K. Computer', dotándole de un contrapunto de reflexión al álbum que muestra a un Tom Yorke cantando con una rabiosa vitalidad contenida.

8. Glycerine- Bush (1994)
En 1994 con Kurt Cobain recién fallecido, Bush editaba su célebre 'Sixteen Stone' para prolongar el legado grunge de Seattle. Glycerine es un corte que desprende sentimientos, donde las guitarras acaban fundiéndose con violoncellos para otorgar amargura a la composición ante la ausencia de elementos tan propios del rock como la batería o el bajo. La banda inglesa abanderaría con este disco un estilo de rock alternativo denominado como post-grunge.

9. Hallelujah- Leonard Cohen (1984) y Jeff Buckley (1994)
Hallelujah fue publicado en 1984 dentro del álbum 'Various Position's. Es un tema que tiene un sonido casi sacro, gracias al estilo góspel de los coros, que encaja a la perfección con la temática religiosa de la letra, aunque con trasfondo de amor y desamor.

El éxito de la canción aumentó en 1991 con una versión más melódica a cargo del galés John Cale, sobre un fondo donde el sonido del piano acompaña su voz. Numerosos artistas interpretaron posteriormente el himno de Cohen, como Rufus Wainwright, Bob Dylan e incluso Bono. Pero ninguno llegó a los niveles del malogrado Jeff Buckley en 1994, que otorgó a la composición un toque de sensibilidad, tristeza y melancolía con un tempo más pausado y lánguido para convertirlo en su epitafio.

Ha sido utilizado en numerosas películas y series, pero quizás donde mejor encaja es en el último capítulo de la primera temporada de The O.C., un final dramático en el que todos los personajes terminan perdiendo una parte de sí mismos y sus imágenes se suceden desfilando ante el espectador con el Hallelujah de fondo, aumentando el dramatismo.

10. Hurt- Nine Inch Nails (1994) y Johnny Cash (2002)
Trent Reznor escribió este tema para su grupo, Nine Inch Nails (NIN). Una visión personal y tormentosa de la depresión, cantada siempre desde la sensibilidad de una de las mentes más creativas del rock, cuya trayectoria e imaginación ha servido para bautizar el estilo de metal industrial y apadrinar a otro de los gurús de la escena musical, como es Marilyn Manson.

Hurt fue versionada por el hombre de negro. Johnny Cash, convirtiendo su dolor en una nueva forma de enfocar el éxito de Reznor: más desgarrador, delicado e introspectivo, haciendo de la letra un recorrido por su vida.

11. Hold On To My Heart- W.A.S.P. (1992)
A pesar del aspecto agresivo de la formación, las baladas de W.A.S.P. rebosan sensibilidad. De la amplia lista de temas, me quedo con éste que pertenece a un extraordinario disco conceptual The Crimson Idol. Donde no sólo los cortes comparten una linea argumental sino que las melodías también tienen una raíz común y distinguible.

En esta canción, Blackie Lawless hace que su personaje alter-ego en el álbum, Jonathan, se arrepienta de todo lo vivido y tenga el coraje de hacer un ejercicio de confesión antes de engrosar la lista de mártires del rock.

12. In A Darkened Room- Skid Row (1991)
La fama nunca terminó de abrazar completamente a los Skids, cuya amistad con el guitarrista Richie Sambora (el otro artífice de Bon Jovi) les valió el primer contrato. Una responsabilidad superada con creces con sus dos primeros trabajos, el homónimo debut de 1989 donde Youth Gone Wild, I Remember You y la genial 18 & Life, destacaban. Al prometedor arranque le siguió la confirmación con el 'Slave To The Grind' de 1991, en el que aparecía este hermoso medio tiempo que trata sobre los abusos sexuales a los niños junto con otro de sus cortes más representativos: Quicksand Jesus.

El grupo se movía perfectamente en un hard rock cercano al heavy metal que los valió el reconocimiento de la industria musical del rock, pero no una fama tan universal como sus paisanos Bruce Springsteen o Bon Jovi, si no más ceñido a los aficionados al heavy.

Al frente de la banda estuvo un cantante cuyo nombre presagiaba estar vinculado a la música, Sebastian Bach, de aspecto aniñado y frágil pero con un tono de voz contundente y melódico que abandonó el barco de los Skid tras su tercer trabajo, 'Subhuman Race': más maduro y de sonido más áspero.

El rumbo de ambos: tanto de Sebastian como el de Skid Row han marchado desde entonces al margen del éxito comercial, dejando atrás una de las carreras más prometedoras dentro del rock y una de las voces más personales de los 90.

13. Lucha De Gigantes- Nacha Pop (1987)
Un tema muy poético, cargado de alegorías, escrito por Antonio Vega y que tuvo una segunda juventud, para ser apreciado por las nuevas generaciones, al aparecer de manera estelar en la película mexicana 'Amores Perros'.

Antonio Vega falleció en 2009, una pérdida anunciada por un artista que parecía cada vez más débil y consumido en cada actuación y que fue uno de los compositores más icónicos de la llamada "movida madrileña".


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